RPG é uma sigla na língua inglesa que significa Role Playing Game ou Jogo de Interpretação de Papéis. Sua premissa básica é a de que cada jogador escolhe ou desenvolve um personagem e o controla no cenário desse jogo. Deste princípio básica nascem os mais variados jogos e as mais incríveis aventuras, onde você pode escolher ser um guerreiro, um mago, um sacerdote, um vampiro, um ladrão, um lobisomem ou QUALQUER outra coisa.

Ao longo de décadas e de avanços tecnológicos, mudam as formas e as plataformas como jogamos, mas não a essência do jogo. Vejamos algumas dessas variações:

1) Jogos de Mesa

Para ajudar a manter todos os jogadores na mesma sintonia e para facilitar a aplicação das regras, muitos dos primeiros jogos de RPG chegados ao Brasil se espelhavam em seus primos mais antigos como Ludo, Xadrez e demais exemplos e utilizam tabuleiros para representar o ambiente e os personagens. O lado bom disso é a praticidade, mas também há a limitação de acordo com peças disponíveis e assim por diante. E é então que surgem jogos que dispensam os tabuleiros, dependendo apenas de um bom Narrador (ou Mestre de Jogo) para contextualizar todos os jogadores e das fichas dos personagens para registrar as características dos jogadores. Mas se todo o jogo está na mente dos jogadores, não há barreiras para que universo serviria de cenário e para que personagens poderiam ser utilizados.

Um cenário que ficou muito conhecido foi batizado de "World of Darkness" (o "Mundo das Trevas"), um cenário punk-gótico violento e sinistro habitado por todas as criaturas que povoam as histórias de terror onde os jogadores podem assumir o papel desses monstros e vivenciar o que os próprios livros chamavam de "jogos de terror pessoal. A ideia do jogo é permitir ao jogador a experiência do que aterroriza os monstros e também se colocar do lado oposto dos contos de fadas... Quais são os sofrimentos e os medos que afligem um lobisomem, um vampiro, uma bruxa... e o que você faria se fosse um desses seres? Como lidaria com a imortalidade? Como usaria a força de uma besta selvagem? Como controlaria as forças místicas que mantem a coesão do universo? Afinal, você não é um herói... mas poderia ser!

E há também os sistemas que permitem a construção de qualquer cenário e de qualquer tipo de personagens:

Seja um ser super poderoso saído das histórias em quadrinhos, seja um robô de um futuro distante, seja um nobre da idade média... não há nada que não possa ser feito.

2) Videogames

A ideia é simples: passar para o digital o que já se fazia nos jogos de mesa. A lógica do tabuleiro se aplica também, pois o que se perde em liberdade se ganha em estímulo visual. As histórias são lineares e não aceitam a derivação do fio condutor, pois se o jogador não desempenha as ações estabelecidas o jogo não avança. Grande parte do que significa a interpretação de papéis é justamente ter a liberdade de escolher o que fazer e como interagir, e nesses jogos cabe ao jogador apenas executar as tarefas pre-determinadas.

A limitação de opções é combatida com a criação de ramificações na história e expansão do cenário. Quanto mais possibilidades, mais o jogador tem poder de escolha e mais livre será a sua interpretação. Dessa forma surgem os MMORPGs ou Massive Multiplayer Online Role Playing Games ou Jogo de Interpretação de Papéis Online para Grandes quantidades de Jogadores. Nessa categoria de jogos, o cenário e os acontecimentos são controlados remotamente pelo servidor via internet e os vários personagens são controlados pelos vários jogadores conectados. Passa a ser possível aos jogadores interagirem uns com os outros, escolher entre enormes quantidades de missões e aventuras e chegarem perto do que seria uma liberdade de interpretação.

3) Live Actions

E por fim temos uma derivação inversa da que leva aos jogos de videogame, pois utiliza ainda menos tecnologia... evoluindo dos jogos de mesa, surgem os LARPGs: Live Action Role Playing Games ou Jogos de Interpretação de Papéis em Atuações Reais. Nessa categoria, os jogadores se caracterizam tal qual os personagens que eles desenvolveram, fantasiando-se com roupas, acessórios, maquiagem e o que mais puderem para "serem" os seus personagens. Dessa forma a experiência será mais profunda e imersiva. Tratando-se de jogos fortemente baseados em política e interação social, os live actions tem algumas regras, inclusive a proibição completa de violência para manter a integridade física dos participantes.

Infelizmente, como a temática de muitos desses jogos é sombria, a caracterização dos personagens é igualmente obscura, e frente ao grande público já foi considerada um sinônimo de cultos macabros e até ligado a crimes, com destaque para um caso de homicídio supostamente praticado por jogadores de RPG no Espírito Santo. Não sendo a intenção aqui de apurar casos, resta penas dizer que o RPG é um exercício da mente e uma ferramenta criativa. Assim como jogos de videogame, eles não são capazes de criar comportamentos violentos ou fazer de uma pessoa um assassino... mas é possível que um jogo como esse desperte impulsos e tendências que já existam nesse indivíduo.

E caso você esteja se perguntando, aquela imagem lá em cima é uma releitura artística dos personagens do desenho "Caverna do Dragão", que foi ao ar durante a década de 1980 (e se estendeu até os anos 2000). O desenho marcou para muitos jovens (inclusive EU) a descoberta do universo da fantasia... de elfos, duendes e fadas, dragões e unicórnios e da luta do bem contra o mal. A descoberta desses mundos é absolutamente indispensável para se jogar qualquer RPG, pois a imaginação será sempre a sua força motriz... afinal nenhum jogo de representação de papéis estaria completo se o jogador não puder se colocar no lugar do seu personagem.

Por muito e muito tempo a Disney foi acusada de criar uma realidade falsa e um parâmetro de perfeição irreal que atingiu gerações inteiras da sociedade ocidental. Num ambiente cultural como o nosso, em que as pessoas leem cada vez menos e assistem cada vez mais a filmes, as produções audiovisuais tomam para si um papel fundamental na educação das crianças. Os contos de fadas, assim como as fábulas desde a Grécia Antiga, são formatos literários cuja função principal é exatamente transmitir uma lição ou um valor moral através do que se passa com os personagens. Esses valores nascem na moralidade da sociedade e por isso podem mudar ao longo do tempo.

É um papel indispensável da mídia (seja ela qual for) retratar o público que a assiste, primeiramente porque é uma necessidade das pessoas se verem retratadas na mídia (sério mesmo, é uma necessidade do sujeito na sociedade midiatizada) e segundo porque a mídia é uma das forças que movem e moldam as pessoas. A sociedade, por sua vez se mantem em constante mudança e questionável evolução, de forma que manter os mesmos modelos eternizados não são suficientes para retratar novas gerações... as releituras são necessárias para que os contos de fadas cumpram suas funções. Vejamos alguns exemplos:

1) Chapeuzinho Vermelho

A história da garotinha que "vai pela estrada afora bem sozinha levar doces para a vovozinha" nasce como uma forma de ensinar para as meninas que o mundo é cheio de perigos e que elas não devem nunca falar com estranhos. Na história, a Chapeuzinho simboliza a pureza e o "Lobo Mau" representa as maldades do mundo... que tenta enganar a garotinha para se aproveitar de sua inocência. Claro, nada disso teria acontecido se a garotinha tivesse dado ouvidos à sua mãe e tivesse seguido pelo caminho certo, mais longo e mais seguro. No final, ela é salva pelo caçador, uma figura masculina que simboliza força, mas também a figura do "homem de bem", capaz de dar proteger uma mocinha indefesa.

Justamente contra essa imagem de indefesa, temos essa outra versão batizada no Brasil de "A Garota da Capa Vermelha":

Essa releitura foi lançada nos cinemas em 2011 e coloca a personagem feminina no papel de controle e de poder. Ao longo da história é construída uma noção (através da insinuação e do suspense) de que qualquer um poderia ser o lobo (leia-se: "que existe o potencial para o mal em qualquer um de nós"). Fica clara, também, a relação desenvolvida entre a Chapeuzinho e o lobo, o interesse e o desejo da garota pelo "monstro" e ao final a sua entrega consciente.

Por fim, temos essa outra visão do personagem, onde a Chapeuzinho é, de fato, o próprio Lobo Mal:

No seriado norte-americano Once Upon a Time, no qual vários personagens de diversos contos de fadas, são transportados para uma cidadezinha no interior do estado do Maine (tipo no meio do nada). Nessa realidade a Chapeuzinho se chama "Ruby" (em homenagem à cor da capa vermelha) e ela é ajudante da vovó, que é dona de uma lanchonete/restaurante. Já na realidade de origem deles, a Ruby era a vítima da maldição e se transformava em lobo e a capa era exatamente o que impedia a sua transformação. Maneiras de atualizar o personagem.

2) O Amor Verdadeiro Amor

Em diversas histórias, simbolizando as dificuldades da vida, os personagens passam por feitiços, maldições e outros infortúnios que requerem algo que lhes permita superar essa adversidade. Em muitos casos esse "algo" é a chegada do grande amor na vida dessa pessoa, e nada simboliza mais do que o beijo apaixonado. O problema desse beijo e dessa situação é que com o passar do tempo era sempre a mocinha (a donzela, a princesa...) que ficava esperando que o príncipe viesse ao seu encontro e lhe desse o beijo, o que coloca a figura feminina sempre na dependência da figura masculina.

Com o passar do tempo e a transformação da nossa sociedade chegamos ao momento em que as mulheres salvam a si mesmas, não dependendo de um homem. Isso não quer dizer que essas mulheres modernas rejeitem os homens ou devam ser auto-suficientes... mas mais importante que isso é a  compreensão de que existem outras formas de amor e que são igualmente verdadeiros.

No filme Frozen é o amor das irmãs Anna e Elsa é o amor das irmãs que as salva... salva a Anna do congelamento do seu coração (efetivamente salvando a sua vida) e sava a Elsa do descontrole de seus poderes (efetivamente salvando todo o reino de um inverso sem fim). O filme aproveita essa situação para distanciar o "ato do amor verdadeiro" da dinâmica mencionada acima, onde a jovem Anna achava que seria salva do seu destino gélido pelo beijo do seu jovem pretendente, mas é o seu sacrifício que a liberta.

A mesma situação ocorre no filme Malévola, onde temos uma nova visão do clássico beijo do Príncipe na Bela Adormecida (a princesa Aurora)... mas como o filme se passa pela perspectiva da "bruxa" e não da "princesa", ele se dá ao luxo de explorar o significado do verdadeiro amor que se dá pelo contato de quem conheceu a menina a vida inteira, cuidou e protegeu e não de um cara que acabou de conhecer. 

E caso você esteja se perguntando, aquela imagem lá em cima são as releituras das emblemáticas personagens femininas dos clássicos Disney "A Bela e a Fera", "Branca de Neve e os Sete Anões", "A Bela Adormecida", "Alladin", "A Pequena Sereia" e "Cinderella" recriadas pelo artista Emmanuel Viola (Evvi). O estilo desse artista é marcado pela transformação de personagens para um contexto urbano atualizado e muitas vezes underground, adornando-os com tatuagens, piercings e vestindo-os de forma igualmente contemporânea e arrojada. Você pode ver mais do trabalho dele em http://www.evviart.com/

Uma parte significativa da atração que sentimos pelos jogos digitais é certamente acarretada pela música. Claro, se tratando se uma produção audiovisual, não há de ser completa sem a música que lhe dê ambiente. Quando falamos de jogo é essencial entender que precisamos da imersão do jogador.

Imersão é a característica do receptor, seja jogador (no caso de games), leitor (em caso de livro ou revista) ou espectador (em caso de cinema ou tv) de ter sua atenção absorvida pela mídia com a qual está lidando.Quanto mais imerso naquela mídia maior será o seu grau de atenção e mais intensamente ele usufruirá dela, seus impactos sensoriais serão maiores e sua experiência será mais intensa. Não queremos nunca um receptor disperso, pois ele sentirá pouco ou quase nada.

Então no que diz respeito à música aplicada aos games, vamos pensar nos seguintes casos:

1) Músicas clássicas de jogos clássicos

Na época da popularização dos jogos eletrônicos para o uso doméstico o Atari foi o console mais popular no Brasil, atingindo um público enorme no território nacional. Um dos jogos mais difundidos na época era o Pac-Man, que muito rotineiramente era o cartucho que acompanhava o console. Como esse jogo também era encontrado nos "fliperamas" seu sucesso foi enorme, e sua música tema colou na mente das pessoas devido às horas e horas de jogo.

Tetris é outro exemplo de jogo com música extremamente simples, construída com sintetizador extremamente limitado que se tornou popular pela grande difusão do jogo. Uma prova de como ele foi popular e como ele marcou a geração de jogadores é a quantidade de versões e remixagens que encontramos... como esse exemplo:

2) Jogos clássicos, músicas modernizadas

Esse é um dos estágios mais clássicos da franquia de jogos Castlevania: Clock Tower (afinal o que seria de um grande castelo sem uma torre de relógio?). Essa versão aí em cima é do jogo Castlevania III, do Nintendo 8 bits. Percebemos a música bem repetitiva de que dispunham na época.

Aqui já temos uma versão mais aprimorada... mais canais de áudio estavam disponíveis, pois o arquivo de som podia ser um tanto maior, já que se tratava de um console de 16 bits. Percebemos semelhanças claras na melodia entre as duas, mudando apenas o arranjo.

Já nesta versão do Playstation, o jogo chega à mídia ótica... onde o armazenamento dos dados se dá em um CD, o que possibilita que as músicas sejam produzidas no formato MP3. O resultado é que não há mais limites para o que se pode fazer com as músicas da trilha sonora dos jogos. Percebendo esse potencial, os produtores da série Castlevania incorporaram o espírito do jogo e suas trilhas passaram desde então (e nos consoles que se seguiram, Playstation 2 e 3) a ser orquestradas.

3) Jogos de música

E além de ser um instrumento de construção de cenário, alguns jogos tem a música como o próprio objeto e fator de desafio.

Guitar Hero foi um jogo que conquistou público rapidamente aliando um desafio de básica coordenação motora e ritmo (que alguns dizem vir inspirado nas máquinas de Pump) misturado com o apelo carismático de se sentir um astro da música, já que no jogo você pode escolher tocar músicas famosas (como nesse exemplo ali, em que o jogador está tocando a música tema de Cavaleiros do Zodíaco).

Do Guitar Hero houve a expansão para Band Hero em que o jogador pode escolher tocar outro instrumento que não a guitarra (nesse exemplo utilizando a bateria), além da opção de jogo multi-player em que jogadores diferentes usam instrumentos diferentes da banda, gerando uma interação totalmente diferente. Desnecessário dizer que a criação de acessórios para o jogo foi uma motivação a mais para a Activision (empresa desenvolvedora desse jogo)

E se você estiver se perguntando sobre aquela imagem lá em cima, ela é um print de tela do "Mario Paint Composer", um programa que te permite compor músicas via sintetizador que utiliza os elementos visuais do nosso querido clássico Super Mario Bros. Na brincadeira, na brincadeira, olha um exemplo do que um usuário conseguiu fazer com essa plataforma compondo a música "Get Lucky" do Daft Punk:

Minha confiança cresceu e meu ego diminuiu, diz o cantor canadense Michael Bublé, respondendo à pergunta sobre o que mudou em sua carreira em 10 anos, tempo entre seu primeiro disco, "Michael Bublé" (2003), e o mais recente, "To Be Loved" (2013).

"O ego é baseado na insegurança. Com o tempo, a gente aprende a respeitar mais a si mesmo e também a se divertir mais", afirmou Bublé, um dos mais populares crooners da atualidade, falando à reportagem por telefone de Buenos Aires, onde se apresentou no final de semana. Casado com a argentina Luisana Lopilato desde 2011, pai recente pela primeira vez (o filho, Noah, nasceu há um ano), ele diz que hoje dá pesos diferentes à vida pessoal e à carreira. A partir desta sexta, com uma big band com 16 integrantes no palco, em duas horas de apresentação por noite, Bublé inicia uma série de três shows lotados no Ginásio do Ibirapuera, em São Paulo.

"Antes do nascimento de Noah, eu era focado demais, muito obsessivo em relação à carreira. Nesse ponto da minha vida, as prioridades são outras, meu propósito é outro, carreira não é mais a coisa mais importante. O que é interessante, porque isso coincide com uma fase ótima, estou mais relax, as coisas saem com mais felicidade e alegria", afirmou Bublé.

O cantor conta que chegou a fazer 220 concertos em um único ano, mas que diminuiu o ritmo por causa do filho. O que não muda é seu senso de humor, ele que é um piadista incorrigível e diverte muito suas plateias. "Obrigado a você aí pela bebida. Grato a você ali pelo abraço. E, ei você, eu sei que foi você que apertou minha bunda!", diz, após mergulhar no meio do público, sempre com boa resposta da audiência.

"Não é algo que eu force, é natural, é parte de minha vida. Ajuda muito a relaxar. Tenho uma amiga que é uma comediante incrível. Uma vez estávamos conversando e eu disse a ela como ela era engraçada no palco. E ela me apresentou alguns de seus redatores. A diferença é essa: eu não tenho um redator, eu sou o autor de meus textos. Eu improviso, eu sou aquela pessoa ali mesmo. E é curioso: seja no Japão, seja no Brasil, qualquer que seja a cultura, todos entendem, todos riem. Porque sentem que é espontâneo", afirma.

Bublé diz que uma de suas condições para viajar pelo mundo com seu show é que toda a produção internacional viaje consigo - nada de meias produções. Nem um holofote a menos. "Não sou um herói, mas é esse o jeito que eu vejo meu trabalho. Viajo com uma das maiores e melhores bandas do planeta, e tento oferecer tudo que temos, que seja tão bom quanto possível em todos os lugares. Sei que os ingressos são caros, sei que as pessoas muitas vezes fazem sacrifícios para estar ali. Por isso, dou o melhor que posso oferecer", garantiu.

Na Argentina, no último sábado, Bublé fez até mais do que podia. Cantando debaixo de uma bruta tempestade, no Estádio Gimnasia y Esgrima, ele não titubeou e, apesar das advertências do empresário, saiu do seu abrigo seguro no palco e foi cantando a capela "Save the Last Dance to Me", com o microfone debaixo d’água, entre os fãs. "Me disseram para cancelar o show, para postergá-lo, porém eu pensei: 'Se vocês estão aí, eu estarei aqui no palco'", contou.

Ele abre seu show sempre de smoking, sempre com uma canção que Elvis Presley eternizou, "Fever". Com um jeito iconoclasta de tratar standards (às vezes, usando o cenário como pista de "skate" ou surgindo de um elevador gigante) como "Cry me a River" (Julie London), "You Make me Feel so young" (Frank Sinatra), "That’s All" (Nat King Cole) e outros, ele abre o american songbook para outros artistas que estão chegando agora.

É o que faz, por exemplo, com sua interpretação de "Get Lucky", sucesso recente do Daft Punk. "Isso muda a cada noite, nem sempre são as mesmas músicas. As canções têm um balanço, um ritmo, e eu cada vez incorporo mais canções ao meu repertório. Basta que elas me conquistem", ele explica. Uma das consequências de sua primeira década no show biz. "Nesse tempo, conheci e colaborei com grandes músicos, como Van Morrison, Rod Stewart, Brian Adams. Isso me ensinou muito", pondera.

Outras canções que comparecem são "All You Need Is Love" (Beatles), "To Love Somebody" (Bee Gees), "Who’s Loving You" (Jackson Five), entre outras. Esse é mais ou menos o credo do crooner canadense desde o seu início: reinterpreta Eric Clapton ("Wonderful Tonight"), Leonard Cohen ("I’m Your Man"), Amy Winehouse ("Rehab") Harold Arlen ("I’ve Got the World on a String"), Billy Paul ("Me and Mrs. Jones"), Henry Mancini ("It Had Better be Tonight") e o que mais aparecer. Sempre com um irrepreensível coté de bom moço.

"Antes de cantar, você sabe, a gente tem de saber viver. Quero viver bem a vida e transmitir isso em meu trabalho. Feliz, eu me saio melhor no palco, no estúdio. Não sei se você costuma ver meu Instagram, mas eu sempre posto fotos e vídeos lá. É um jeito de me manter em comunicação com meus fãs, e sem intermediários. Gosto de estar em movimento, gosto de brincar", confessa o músico.

No álbum mais recente, "To be Loved", ele canta com alguns convidados, como Reese Whiterspoon e Brian Adams. As informações são do jornal O Estado de S. Paulo.

A moda é um fenômeno que permeia a sociedade desde que o ser humano se diferenciou dos demais animais. Podemos pensar na moda de várias formas e embora seja algo muito maior do que os objetos da indumentária (roupas e acessórios) abrangendo comportamento, auto-percepção, representação e influenciando basicamente todas as instâncias das relações humanas.

E já que existe uma infinidade de relações humanas, relações sociais, relações de poder, representações de ideais e de status, vamos usar apenas alguns exemplos desses usos.

Existem, certamente, uma grande quantidade de relações que podem ser citadas, e com sorte serão em próximos textos. Nesta explanação simples trataremos de exemplos de heróis dos quadrinhos da Marvel e da DC, principalmente porque são a minha área de expertise, mas também porque serão facilmente reconhecidos durante a leitura.

1) Identidade

Desde a criação do grupo, os X-Men são uma metáfora da editora Marvel para o conceito de infância e adolescência. Representavam o que seriam lições de moral disfarçadas para confortar e acalmar os jovens leitores. Estava tudo bem ser diferente e essa é a essência do que fazia esses jovens especiais. Mas ser diferente também significa ser distanciado dos demais, isolado, solitário. Quando esses jovens são agrupados pelo professor Charles Xavier e se tornam uma equipe eles ganham uniformes iguais.

Agrupar pessoas não é o mesmo que ter uma equipe sem que haja união entre elas, assim como pessoas juntas não são uma sociedade sem que haja algum tipo de cultura compartilhada que possa uni-las. Neste caso, a padronização dos uniformes em cores e formatos lhes oferece o elemento de reconhecimento mútuo. Assim como as tribos urbanas (os grunges, os punks, os emos e assim por diante) se reconhecem uns nos outros pelas imagens que projetam. Seus uniformes lhes oferecem unidade e identidade.

2) Diferenciação

Mas esses personagens fazem parte de uma história que se iniciou cinquenta e um anos atrás, e as coisas acontecem na narrativa... não seria uma narrativa sem a mudança de estados, afinal de contas! Então, alguns anos depois de sua criação, esse mesmo grupo de jovens havia passado por ameaças, lutas, tragédias e vitórias, ganhando cada um deles identidades próprias. Chegando a esse ponto de suas jornadas o Professor Xavier decide recompensá-los com a criação de novos uniformes que pudessem refletir essas mudanças em suas personalidades. O resultado é que além de serem uma equipe eles se diferenciam dos demais, tornando-se “indivíduos”. Certamente que esses dois valores oscilam e em momentos a importância da individualidade supera a importância da coletividade.

3) Pertencimento

A tropa dos Lanternas Verdes é uma polícia intergaláctica que utiliza os anéis de poder como ponto focal e catalisador de suas próprias forças de vontade, transformadas em energia que utilizam para criar as ferramentas, os disparos de força concussiva, para viajar pelo espaço e para se comunicar com outros seres (mesmo que não falem suas línguas alienígenas. Sendo uma patrulha que cobre virtualmente todo o universo, existem membros dessa tropa provenientes de todas as mais diversas raças do cosmo...

Diferente do exemplo dos X-Men, porém, os Lanternas Verdes não são um grupo, mas um grande coletivo e assim sendo não há uma unidade estabelecida... há porém um reconhecimento recíproco que vem da causa que os une. O símbolo dos Lanternas estampado em seus uniformes e o padrão de suas cores em verde, preto e branco fazem com que se percebam uns nos outros e em ocasiões se comportem como uma equipe, mas eles não pertencem uns aos outros... pertencem à Tropa!

Estes são pequenos exemplos pontuais de aplicações da Moda para grupos de super-heróis, e para não nos estendermos muito vamos ficando por aqui, sim? No próximo texto falaremos mais sobre aplicações no universo heroico em casos individuais, afinal através da moda podemos inclusive fazer os heróis serem mais humanos!

E caso você esteja se perguntando sobre aquela imagem lá em cima, ela é uma capa muito aclamada da série de quadrinhos chamada “Crise de Identidade”, onde os grandes heróis da DC Comics (Super-Homem, Batman, Mulher Maravilha, Arqueiro Verde, entre outros) são testados em suas moralidades e virtudes. Não por acaso, o questionamento de suas identidades (aquilo que eles interiormente são) e a proposição de que eles abandonem essas identidades é simbolizado pelo abandono de seus uniformes, pois os uniformes dos heróis representam visualmente a porção heroica do que eles são.

Vivemos num mundo onde as emoções humanas são cada vez mais escassas e a velocidade do cotidiano muitas vezes nos afasta do convívio das pessoas de quem gostamos. Desse jeito, objetos midiáticos muitas vezes se tornam de grande interesse, nos atingem profundamente... sejam demonstrações românticas, engraçadas, familiares, ou mesmo violentas, desde que sejam capazes de nos tirar de nossas frias existências.

É muito comum na publicidade fazer uso de vídeos com o intuito de que sejam compartilhados e com isso ganhem força junto ao público. O objetivo de ser compartilhado só pode ser atingido se o conteúdo desse material tocar os espectadores de alguma forma. Compartilhar algo significa assinar em baixo, dar o nosso aval sobre a sua qualidade ou o nosso desejo de que as outras pessoas o vejam. Compartilhar um vídeo é acima de tudo a nossa tentativa de compartilhar experiências em tempos de assepsia emocional.

Permitam-me apresentar (e estender) um exemplo não comercial de vídeo amplamente compartilhado meses atrás. A proposta desse vídeo era mostras 20 pessoas que nunca haviam se visto previamente e que se beijassem, dois a dois (formando 10 casais). Sem regras ou padrões, incluindo um casal gay e um casal de lésbicas, o resultado é capaz de tocar a todos nós por ser uma experiência pela qual todos passamos, de uma forma ou de outra: o primeiro beijo.

Depois desse vídeo original e da atenção que ele atraiu, muitas versões e paródias foram criadas. A minha versão inspirada favorita se trata de abraços. A proposta é que estranhos se abracem, mas há um detalhe: os abraços devem ser entre um homossexual e alguém declaradamente homofóbico. Homens e mulheres, jovens e idosos, a intenção do vídeo é dar um passo inicial contra a homofobia. O resultado é muito interessante e foi também muito compartilhado... eis o tal

E por fim, um que talvez não tenha o mesmo “mérito social engajado”, mas que cria uma atração estranha (pelo menos em mim) mostra completos estranhos sendo gravados no momento enquanto dão tapas uns nos outros. Como mencionei acima, o que causa interesse é que haja algum elemento humano que nos toque, e nesse caso é a violência que quebra nossa constância e nos humaniza:

Creio que o fascínio (pelo menos eu mim) seja por eu acreditar (e acredito mesmo) que sejam tapas reais, abraços reais e beijos reais de pessoas que realmente nunca se viram. Nas nossas vidas cotidianas essas expressões emocionais (beijos, abraços, tapas) estão mais presentes enquanto televisionados (ensaiados, falsos) do que ao nosso redor, o que é uma pena. Só para constar: somos contra a violência e não resolvemos as coisas na base do tapa. Pelo menos eu não!

A música de fundo suave e a colorização em preto e branco ajudam a criar um ambiente fora do real. É como se fosse um vídeo de história ou do Discovery Channel. O resultado é adorável! Puro deleite estético!!

E caso você esteja se perguntando quem é esse casal da foto lá em cima, trata-se de um soldado americano e uma enfermeira no desembarque das tropas "vitoriosas" da segunda guerra mundial. Conta-se que eles não se conheciam e que o beijo deles foi um arroubo da excitação do momento. Verdade ou lenda, esse é o registro que fez a cena ganhar notoriedade e essa foto se tornou uma imagem muito famosa, servindo de referência por gerações.

Todo mundo gosta de um remake. Não? Nem todo mundo, ok, mas na maior parte das vezes um bom remake é massa! Primeiramente, estou falando de cinema, então remake é um filme "refeito"... um filme que depois de algum tempo ganhou uma nova versão onde a sua história é mantida na base mas adaptada em detalhes significativos. Por exemplo:

No ano de 1984 Karate Kid conta a história de um jovem que ao chegar numa nova cidade é hostilizado por adolescentes locais praticantes de arte marcial, sendo vítima de violência física e psicológica (se fosse nos dias de hoje seria bullying). Nosso protagonista, Daniel-san, encontra um mestre de karate (que ficou famosíssimo como sr. Miyagi) que lhe apresenta a doutrina marcial através de exercícios não convencionais (como pintar a cerca e polir o carro), o auto-controle e a postura de vida necessária para que ele se imponha frente à sua comunidade, não pela força, mas pela segurança de caráter para a não violência. E sim, ele se aproxima da garota.

Já no ano de 2010 tivemos um remake de Karate Kid onde um jovem se mudou para uma nova cidade onde o protagonista é agredido e ostracizado por artistas marciais (não dois ou três, mas praticamente metade da escola em que ele vai estudar). O jovem Dre Parker encontra um mestre (nada menos do que Jackie Chan) que lhe apresenta a doutrina marcial através de exercícios nada convencionais (como colocar e tirar uma jaqueta), o auto-controle e a postura de vida necessária para que ele se imponha frente à comunidade, não pela força, mas pela segurança de caráter para a não violência. E sim, ele também se aproxima da garota.

Faltou mencionar que nessa nova versão do filme o protagonista aparenta ter cinco ou seis anos a menos do que no filme original, é um jovem negro e está se mudando não de bairro ou de estado, mas saindo dos Estados Unidos para morar numa cidade da China.

A mudança no filme fez com que o choque de etnias fosse mais explícito do que uma rivalidade entre "garotos locais" e "garoto novo". Da mesma forma, as pressões sociais de auto-afirmação e romance que no filme original recaem sobre um adolescente aparentando 17 ou 18 anos, nessa nova versão pesam sobre um garoto que não parece ter mais de doze anos. Isso acaba sendo um reflexo da nossa realidade social, em que cada vez mais jovens somos cobrados de "ser alguém" e de "fazermos algo". Uma renovação que colabora com a credibilidade da história para os públicos da década de 2010.

Como eu disse lá em cima, existe um gosto especial em ver um remake. Isso não é uma constatação nova... Aristóteles, mais de 2300 anos atrás na Grécia antiga já estudava a estética e já havia formulado um entendimento sobre a "mimese": o prazer que o ser humano sente ao reconhecer um objeto que passou pela transformação da ação humana. Reconhecemos o objeto original e quanto mais de "nós" reconhecermos na versão nova, mais gostaremos dele. Afinal de contas, a nova roupagem dada ao objeto terá algo da visão desse novo artista e se essa visão casar com a nossa é sucesso. Vamos tomar como exemplo a música "Wonderwall"

Na sua versão original, tocada pela banda Oasis, a música transmite o sentimento da letra que fala sobre futuro, caminhos trilhados e conta com um arranjo característico da banda, contando com a sonoridade de instrumento de cordas, conferindo uma suavidade que contrasta com o vocal "despojado" da banda.

No cover de Alex Goot, tocada com um arranjo um pouco mais simples e com um vocal mais nasal e melódico, essa versão dá mais velocidade à música e a deixa mais jovem. Atende a um público um pouco diferente da original.

Já na versão da banda Hurts a sonoridade é reformulada mais profundamente à medida que o acompanhamento é muito baseado no piano, a cadência é recriada e o resultado é mais adulto e um tanto mais sombrio. Um resultado bem diferente das duas versões anteriores. Fácil perceber que esses estilos diferentes atingem públicos diferentes.

A indústria cinematográfica, como citei no começo, tem usado alguns remakes poderosos, incluindo última estréia dessas férias: as Tartarugas Ninja!

Os filmes lançados nos anos de 1990, 1991 e 1993 fizeram grande sucesso aliados à série de desenhos animados, marcando profundamente uma geração.

Para além de todos os remakes uma série que já merece atenção especial é o reboot dos clássicos "Planeta dos Macacos". O primeiro filme tendo sido lançado em 2011 com o título de "Rise of the Planet of the Apes" ("Planeta dos Macacos: a Origem") e continuado este ano com "Dawn of the Planet fo the Apes" ("Planeta dos Macacos: o Confronto").

Mas esses merecem uma atenção especial e de um cuidado maior no que se refere às diferenças entre remakes e reboots, por isso vamos tratar deles no próximo texto, sim?

Quero encerrar dizendo que eu, particularmente, adoro remakes. Passando dos 30 anos de idade já vejo filmes que fizeram parte da minha infância e adolescência sendo refeitos e isso me agrada. E se eu tiver sorte, espero que um dia algum estúdio com visão sensível decida fazer uma versão de "The Breakfast Club" ("O Clube dos Cinco"), que eu acho um filme extraordinário.

Desde que o ser humano se entende por "sapiens" que nós temos medo do que não entendemos... e não há nada mais desconhecido do que o pós-vida. Esse é um tema presente nas artes desde a pré-história e uma das perguntas de base da filosofia: "quem somos?", "de onde viemos?" e "para onde vamos?" afinal a morte é para onde vamos em definitivo.

Os egípcios na antiguidade tinham toda uma explicação de como seria o processo de julgamento dos mortos. Se o coração (que simboliza o valor do espírito) fosse mais pesado do que uma pena o morto iria para o "inferno" conduzido pelo deus Anúbis sob as ordens de Osíris.

Mas ao longo da história da humanidade a arte foi sempre utilizada para metabolizar nossas inquietações e nossos medos, então desde a idade média o tema da morte também é explorado com leveza e até humor (em alguns casos) enquanto se torna objeto para reduzir o medo das pessoas.

Essa categoria de arte foi chamada "danse macabre" (literalmente "a dança da morte") e é interpretado por alguns como uma sátira à morte, uma brincadeira que ridiculariza a própria força fúnebre. Outros a vêem como a morte satirizando os humanos, zombando da nossa condição de impotência frente à nossa vulnerabilidade. Seja como for, tem sempre algo de lúdico envolvido.

Avançando alguns séculos e vários movimentos artísticos, chegando à mídia dos nossos dias, vemos que a Morte é tema de muitas expressões culturais. E talvez a forma mais clássica e mais assustadora com o a morte nos aparece seja exatamente um ser humano que retorna da morte. Esse conceito vem desde os egípcios antigos conservavam seus mortos ilustres como múmias por acreditar que eles voltariam à vida. Mas e se eles voltassem como monstros irracionais e nocivos?

Do medo de sermos nós mesmos transformados na imagem da putrefação e de nos ser negado o repouso eterno da morte, surge a figura do zumbi: um cadáver reanimado desprovido de racionalidade reduzido a pouco mais do que um animal. A figura do zumbi está comumente associada ao consumo de carne humana ou de cérebros humanos, que liga a outro grande medo humano: o canibalismo. Diversas são as origens das lendas dos zumbis, desde explicações religiosas de que levantaremos no dia do juízo às feitiçarias da Santeria das ilhas do Caribe ou mesmo a infecções de vírus que se espalham como epidemias apocalípticas. Mas isso não é o nosso foco!

A figura dos zumbis se torna um dos monstros clássicos, ao lado dos Vampiros, Lobisomens, Bruxas, Fantasmas e faz parte da nossa cultura pop atual. A cada aparição esses personagens tomam formas diferentes, então vamos listar alguns formatos clássicos para depois ver suas variações.

1) Filmes

Em Zombieland um vírus se alastra pelo mundo transformando as pessoas em zumbis. Em filmes de zumbi, geralmente os sobreviventes buscam locais seguros longe da infecção e preferencialmente buscam grupos de humanos saudáveis para poder continuar vivos.

2) Videogames

Resident Evil é um dos maiores clássicos de jogos de zumbis, onde uma indústria farmacêutica teria criado acidentalmente (ou não) uma substância que impediria a pessoa de morrer, mas com isso de fato torna o usuário um morto-vivo. Uma franquia com diversos jogos lançados e que gerou uma franquia de filmes. Em jogos de mortos-vivos, geralmente o objetivo é destruir os ressuscitados, preferencialmente com um tiro na cabeça.

3) Quadrinhos

Marvel Zombies é um projeto da editora Marvel onde numa realidade paralela à nossa basicamente todos os personagens foram acometidos pelo apocalipse zumbi e facções distintas se enfrentam. Num caso como este, o apelo principal da trama é encontrar preferencialmente uma forma de evitar que tudo isso tenha acontecido, mas se tratando da Marvel, vários ganchos de roteiros existem, impedindo o arco de se encerrar e preferencialmente permitindo que seja revisitado e seus personagens reutilizados.

4) Séries de TV

The Walking Dead é uma das primeira séries de TV baseada no tema e segue o esquema geral mencionado acima nos filmes. Geralmente os personagens se envolvem em missões de busca por condições de vida (alimento, abrigo, etc.) mas preferencialmente desenvolvem seus dramas pessoais e transformações de personalidade ao longo dos anos da série.

5) Música

Não que essa seja uma categoria tão comum como as mencionadas anteriormente, mas a exemplo da produção artística da "danse macabre", a presença dos mortos serve como sátira, ou piada, geralmente trazendo a ideia dessa transformação humana pós falecimento, mas preferivelmente utilizada como impacto visual grotesco e assustador. Além desse clássico de Michael Jackson temos artistas como Zob Zombie que se valem dessa temática.

Mas, pensar sobre a morte é pensar sobre a condição humana, e por isso muitas mídias vem utilizando os mortos-vivos como forma de retratar nosso cotidiano. Os zumbis nesses casos se tornam a metáfora de nós mesmos e das nossas vidas. Vejamos dois casos em que isso ocorrre:

1) In The Flesh

Neste drama britânico a premissa é de pessoas que morreram no ano de 2009 por diferentes formas (doenças, acidentes, assassinatos) e retornaram à vida sem qualquer explicação. Essas pessoas retornadas são chamadas de "parcialmente mortas", como se se tratasse de uma doença, são acompanhadas e medicadas e então reintegradas à sociedade, usando maquiagem e lentes de contato para esconder as mudanças que a morte causa em seus corpos. Parte da população não aceita essa reintegração e reage de modo violento enquanto outros ficam felizes de rever entes queridos (e outros parecem não se importar).

Através da figura desses mortos-vivos a série parece fazer relação com indivíduos que sofrem ou passaram por algum episódio de distúrbio mental. Pessoas que passam por uma experiência que interrompe seu convívio social mas que depois de algum tempo retornam sob a supervisão médica, mas nunca mais se tornam o mesmo de antes, levantando a suspeita de todos.

O protagonista é um jovem chamado Kieren que acaba de ser devolvido à sua família e tenta reencontrar seu lugar no mundo depois de levantar do túmulo e receber alta do centro de tratamento para pessoas parcialmente mortas. Kieren não vê sua volta como uma dádiva, uma vez que ele havia cometido suicídio devido à morte de seu namorado, que também retorna como um morto-vivo. Sem entregar spoilers, é uma das séries mais tristes que eu já assisti até hoje.

2) Warm Bodies (Meu namorado é um zumbi)

Nesse filme a causa o aparecimento dos zumbis nem sequer é explorada, pois não é de interesse para a trama, mas logo na abertura uma crítica à nossa sociedade é feita: nós nos tornamos zumbis por vontade própria ao abrir mão do contato humano e ao nos isolarmos uns dos outros. Mais importante do que qualquer ocorrência de ordem profética, mística ou científica, o enredo aponta para a nossa descida à insensibilidade, pois assim estaremos mortos em vida (o que faz de nós os zumbis).

O nome original do filme faz parte dessa crítica. "Warm bodies" ou "corpos quentes" em português, se refere a essa única diferenciação, pois sem o sentimento de humanidade e sem o contato real entre as pessoas somos apenas mortos habitando corpos quentes. Mas o filme também mostra o caminho da redenção enquanto acompanhamos o protagonista retornar à categoria humana (tanto quanto possível) à medida que exercita e fortalece sua habilidade de sentir. Trajetória que se inicia com essa curiosa cena.

Eu sou fã de séries. Muito mesmo, e isso não é novidade pra ninguém. Mas além de fã eu também sou estudioso da comunicação (e sou chato)... Bastante! E isso pode parecer novidade para algumas pessoas! Juntando essas duas coisas e o fato de que eu sou academicamente guiado a “pesquisar” aquilo que me intriga, me interesso pelas aberturas dessas séries. Parece haver uma tendência crescente de não se fazerem mais aberturas, mas apenas vinhetas, às vezes de poucos segundos. Vejamos as diferenças:

ABERTURA: sequência de imagens (geralmente utilizadas na série e geralmente imbuída de algum efeito ou filtro que lhes dê unidade). Entre aberturas clássicas para mim eu cito:

1) Abertura da série "Charmed"

A abertura da quarta temporada de Charmed, logo após a morte da personagem "Prue", interpretada por Shannen Doherty. Sua morte obrigou a produção a refazer toda a abertura, tirando por completo a sua imagem. A substituição de cenas teve de incluir a nova personagem "Paige" (Rose McGowan) e representava uma nova fase do seriado.

2) Abertura da série Roswell

Abertura da série Roswell, remontada por fãs com suas cenas favoritas.

3) Abertura de Buffy, a Caça-Vampiros

Abertura da primeira temporada de Buffy, a Caça-Vampiros (minha série favorita de todos os tempos).  Mostrava uma montagem veloz  das imagens que propunham ser o estilo da série.

Nessas aberturas a montagem, a escolha de cenas, o ritmo das imagens, a fotografia (e filtros) e certamente a música dão o tom e estabelecem uma forma de identidade. Por falar em música, nas aberturas de Charmed e de Roswell as músicas ("How soon is Now" e "Here with Me", respectivamente) são significativas para o tema dessas séries, sendo o tema de Charmed uma referência recorrente em conteúdos ligados à bruxaria (mesmo filmes e outras séries).

Além disso elas apresentam muita coisa da série, como os atores e seus personagens, cenários, algumas insinuações de relações e plots da temporada e relacionamentos… Essas aberturas dão a cara da série e dão algo para os expectadores incorporarem.

VINHETA: Meros segundos usados para registrar a marca da série. Não apresenta elementos constitutivos da trama, dos personagens… não tem tempo de trabalhar uma música, enfim… Entre essas tristezas eu cito:

1) The Vampire Diaries

Aparentemente tentando fugir o clime "highschool" e trazer um ar um pouco mais dark

2) The Secret Circle

Uma série que não passou da primeira temporada, mas cuja temática (bruxas) tentava ser mais sombria, embora o cenário e os personagens fossem tipicamente adolescentes. Talvez por essa incoerência ela não tenha continuado no ar...

Essa utilização de vinhetas pode ser para ganhar tempo, por falta de criatividade (não creio) ou sei lá o que, mas acredito que a série perde muito com isso! Um exemplo é o que foi feito com a abertura de Grey’s Anatomy. Antes era assim:

Não usava os atores, mas pelo menos mostrava o ambiente do hospital como palco das atribuladas vidas amorosas e sexuais dos personagens. Depois ficou simplesmente a imagem da marca da séries sem nem um sonzinho próprio. A imagem aparece no final da primeira cena do episódio e os sons da cena apenas continuam.

Acho fraco e sem personalidade pra uma série tão bacana!

Quando a série tem uma identidade as pessoas podem se envolver mais, não apenas com os personagens (com os quais nos identificamos), mas com a própria série. Isso lhes dá a chance de “transmidiar” algo, produzindo conteúdos com o que as séries oferecem. Para demonstrar esse pensamento, cito alguns trabalhos de fãs com as aberturas de suas séries. Essas montagens (muito comuns) recebem o título “SÉRIE X opening, SÉRIE Y style”

1) Grey's Anatomy, Friends Style

2) The Vampire Diaries, Buffy style

O que fica aqui chamado de “estilo” foi o que pudemos nos referir como “identidade” acima. Os elementos que podemos perceber para criar essa referência de estilo são a música (que não funcionaria sem), a tipologia utilizada para os nomes dos atores e personagens, os tipos de cenas utilizadas (que fora de contexto são visualmente engraçadas, enérgicas, rápidas, etc.) e assim por diante.

Não se pode, entretanto, generalizar que toda vinheta seja ruim e toda abertura seja boa. Particularmente cito as vinhetas de abertura de Once Upon a Time como muito competentes!

1) Vinhetas da série Once Upon a Time

Cada episódio da série tem uma vinheta própria, onde se pode ver uma dica do episódio, dos personagens ou de algum acontecimento.

2) Abertura da série The Big Bang Theory

Tudo bem que uma série de meia hora (episódios de vinte e quatro minutos aproximadamente) não pode se dar ao luxo de gastar muito tempo, então é uma abertura curta. A música é boa (cativante) e as imagens remetem ao tema “ciência” da série, mas deixam de aproveitar muita coisa, mostrando os personagens apenas no final.

Claro que tudo isso é uma questão de opinião pessoal.